Soundiron Theremin+ Recensione



The Soundiron THEREMIN+ is an advanced library based on the classic sound and feel of the legendary Theremin, but with a huge twist and a wealth of additional sound-designed pads, leads, ambiences and atmospheres. Our Theremin+ behaves as close to a Theremin as you can get on a keyboard, smoothly gliding between monophonic notes with variable speed. The Glide knob allows you to adjust the speed of the glide between notes and when set to 0, turns this otherwise monophonic instrument into a full polyphonic sound creator! The Theremin+ includes a number of real Theremin samples, generated tones, and a plethora of carefully crafted sounds, designed from a wide array of sources.


The Theremin+ is packed with features not typically found on a Theremin. The waveform selector lets you choose from Sine, Absolute Sine, Triangle, Saw-tooth, or Square. The Add. knob sets the number of simultaneous micro-tuned voices from 1-4. The Sub-layer adds a whole new dimension, giving you the power to mix in any one of the dozens of included pads, leads, drones, and ambiences complete with separate volume and pitch controls.

Our custom scripted Kontakt user interface comes equipped with flexible control features, like volume swell, glide, pitch, vibrato, attack, release, and an additional Sub-layer selection menu with separate volume and pitch controls, giving you tons of sonic possibilities. There’s also a complete DSP effects rack, including reverb with over a hundred life-like spaces, such as cathedrals, churches, halls, bunkers, garages, tunnels, chambers, rooms and creative FX convolution impulse responses.

The library is programmed for the full version of Kontakt 5.5.2 and later (OSX 10.9 or later / Windows 7 or later required). It comes equipped with a custom user interface and dynamic sound shaping and mixing controls: attack, edge, release, filter resonance and cut, bank preset loading (with optional key-switching), adaptive arpeggiation and built-in convolution reverb with your choice of well over 100 different rooms, halls, spaces and special FX impulses. All of the samples are also included as categorized and clearly named stereo wave files that can be imported and used in any wav-format compatible audio environment, sampler, editor, sequencer or other audio software you like.


  • Create a massive universe of sound from a single chord
  • Incredibly simple, shimmering interface
  • Massive control from 6 powerful dials
  • Hold a few notes with one hand and turn the expressive dials with the other
  • Vast potential to create amazing, complex atmospheric sounds and expressively perform them
  • 300 powerful presets
  • 16GB of audio compressed down to 8GB
  • Audio by Hollywood trailer sound designer Alessandro Camnasio (Mad Max, Fantastic Beasts And Where To Find Them) 
  • Expressive live strings performed by players from the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra
  • Below the surface, DRONAR is a vast modular multi-timbral synth/sampler with multiple independent arpeggiators.
  • Record all your dial movements as DAW automation
  • Works beautifully with external MIDI controllers


Spitfire Sable complete–Recensione

Orchestra d’archi da camera prodotta dalla Spitfire

Canale Youtube della Spitfire

Key Stats


You can buy now, and download anytime

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Bundled Products


Our finest chamber strings library volume one; violins and cellos playing essential articulations. Small can be beautiful, ultra detailed and delicate. Part one of a band of 16 players (4,3,3,3).


The world’s finest chamber strings library volume two; 2nd violins, violas and basses playing essential articulations. Small can be beautiful, ultra detailed and delicate. Completing (with volume 1) the must-have tools to write for a string band of 16 players (4,3,3,3).


The world’s finest chamber strings library part three, playing extended articulations and additional techniques. Small can be beautiful, ultra detailed and delicate with our band of the sixteen (4,3,3,3) top British session musicians and concert players.


Sable Volume 4 features more additional and extended techniques and articulations from our small handpicked chamber band (4,3,3,3,3) of top London players using rarefied instruments in the hall at air studios via a world-class signal path onto 2″ tape.


This unique mixed and compiled together as a quick compositional tool for both hands. A cherry picked selection of the most popular, beautiful and celebrated articulations from the Sable range, tirelessly re-mixed and baked for CPU lite use. An excellent tool for “deep users” an excellent intro for those yet to try this extraordinary range of chamber sized strings. With full dynamic, vibrato and round robin control.

Recensione Cubase pro 8.5

Cubase Pro 8.5 ha un prezzo di 549 euro, mentre Cubase Artist costa 299 euro. I prezzi per gli upgrade dalle versioni precedenti partono dai 49.99 euro per chi viene dalla versione 8.

VST Transit ushers in Steinberg’s new cloud collaboration service. Users running version 8.5 share and synchronize joint projects and take full advantage of cloud-based music production by receiving 500 MB cloud storage and 1 GB free traffic for Cubase projects. Upgrades to a capacity of 5 GB space and 20 GB traffic will be available from January 2016.
Retrologue 2 is the second iteration of Steinberg’s virtual analog synthesizer that includes enhancements to the synth section, many new presets, the highly flexible Arpeggiator and five new effects, such as the innovative three-band Resonator.
Other highlights show refinements to the MixConsole, now with an improved dynamic hover mode and the option to show all inserts, sends and EQs simultaneously. Importing tracks from other projects is now a lot easier and now includes all track settings and content.

The Key and Drum Editors come with new visualization and editing capabilities; the Chord Pads feature allows for intuitive control of arpeggiated and overlapping chords plus support of custom chord symbols. The Transport Panel has been overhauled while its menu item contains all commands and options clearly categorized in submenus.

Dedicated punch points have newly been introduced, which remain independent from the locator position.

Audiowarp now boasts improved audio quality when time-stretching due to the élastique v3 algorithm by zPlane, and the new MediaBay project rack expedites the location of instruments, presets and audio and MIDI files. The new Profile Manager is exclusive to Cubase Pro 8.5, allowing uses to store and recall program settings and preferences. Customized profiles can then be transferred to any studio environment running Cubase.

“The 8.5 updates are the next step in the ‘Provolution’ that started a year ago with the previous Pro and Artist 8 versions,” said Steinberg’s Director of Marketing, Frank Simmerlein. “We listened very closely to what our customers were saying, and our team responded in detail by delivering an equal balance between strong new features and a multitude of refinements to the brick and mortar of Cubase.”

Metropolis Ark



METROPOLIS ARK 1 - The Monumental Orchestra - Trailer 




METROPOLIS ARK I contains a huge Orchestra, Choir, Electric Guitars, Percussion, a Grand Piano and a magnificent Drumset, all recorded with first call musicians at the Teldex Scoring Stage. METROPOLIS ARK I features the loudest imaginable dynamics starting from mf upwards to ffff. Everything is designed to be loud, to be bold and boundary-shatteringly epic. This Collection opens a whole new world for Orchestral Tools, who are well known for their Berlin Series, a virtual Orchestra that set a new standard and is used by many high-profile film composers in Hollywood and around the world.
There is one vision and everything is built around it:
Special sections like 4 Contra Bassoons playing in unison, a Bass Trombone Ensemble, a Cimbasso Ensemble or 12 Basses + 6 Celli playing together in octaves. METROPOLIS ARK I includes different French Horn ensembles: A big 9 piece Horn Section for soaring, thick Horn melodies and a smaller 3 piece Horn Ensembles, specifically designed to play chords. Together with uncomparable Powerchords recorded wet at the scoring stage with two different Guitars and a sinister massive Choir singing at the highest dynamics, this Collection will rise your compositions to a whole new level.
Instead of pre-mixed sections, METROPOLIS ARK I offers pure and unprocessed instrument groups to give you all the flexibility to arrange your own orchestrations. Extensive Articulation Sets additionally offer Swells, Crescendos, Glissandos, 2 different lengths of Marcato, Shorts, etc. on more than 80GB of compressed sample material.
METROPOLIS ARK I marks the next generation of Fortissimo and it is a revolution of Epic in one single box.

€ 349.-
Normal Pricing € 549.- + VAT

Copyright © 2015 Orchestral Tools / Schwarzer & Mantik GmbH, All rights reserved.

IK Multimedia unveils Miroslav Philharmonik 2

-the new orchestra with legendary soul has arrived for Mac and PC

Miroslav Philharmonik 2 updates the most emotionally expressive orchestral library of all time with over 1,000 new string, brass and woodwind instruments recorded in high-resolution audio that offer an unparalleled depth of human feeling and ease-of-use

November 9, 2015 – IK Multimedia is proud to announce Miroslav Philharmonik™ 2, the next-generation of the most emotionally expressive orchestral collection for Mac/PC. Made in conjunction with master musician Miroslav Vitous, it comes with over 1,000 new sounds that include soaring strings, animated woodwinds and majestic brass in both solo and ensemble forms. In total, it offers a remarkable 55GB+ content library with over 2,500 instruments sampled in stunning high-resolution audio with multiple articulations plus over 30 professional quality effects, 3 powerful playback engines, a synthesizer section, a built-in mixer and a whole lot more.

Miroslav Philharmonik 2

Miroslav Philarmonik 2 is a sweeping vision from a master artist embodied in a new virtual instrument that puts the full emotional range and humanity of a symphony orchestra at musicians’ and composers’ fingertips.
Simply beautiful sound
Miroslav Philharmonik 2 builds on the core library of its predecessor with over 1,000 new instruments recorded in the ensemble strings, solo strings, ensemble brass, solo brass, ensemble woodwinds and solo woodwind categories. Its sounds have been meticulously voiced and edited with the same sampling techniques that made the original Miroslav Philharmonik one of the most popular orchestral workstations of all time.
Each of these new sounds has been recorded at the Czech National Symphony Orchestra, a space that’s been used by such legendary figures as Andrea Bocelli, Ennio Morricone, Lalo Schifrin and, of course, Miroslav Vitous himself.
Ecstasy. Passion. Joy.
Miroslav Philharmonik 2’s instruments and sounds are able to convey the emotion and humanity of the musician behind each note. This makes it a perfect choice for when a more delicate or expressive touch is required: Like when scoring tragic love stories, recording romantic R&B ballads or adding symphonic grandeur to gothic metal anthems.
Every new sound includes its own articulations that can be accessed either via a convenient key switching system that lets musicians instantly play flowing legatos, animated pizzicatos, aggressive spiccatos, elegant staccatos, triumphant fortissimos and more. All articulations are also available as individual instruments.
In addition to the new sounds, Miroslav Philharmonik 2 also comes with an updated library of instruments from the original Miroslav Philharmonik. These classic instruments have been enhanced to take advantage of the new SampleTank 3 technology powering Miroslav Philharmonik 2. This provides more possibilities for sonic sculpting than ever before: All instruments now come with 8 macro controls (as opposed to 4) that control features like a 3-band EQ, a filter cutoff and envelope parameters like attack and release that are perfect for on-the-fly adjustments.
Powerful processing
Miroslav Philharmonik 2 includes over 30 professional-grade studio plug-in effects from IK Multimedia’s acclaimed SampleTank 3 sound and groove workstation. These effects encompass the full range of the sonic spectrum and include equalizers, dynamic processors, filters, modulation effects, reverbs, delays and more. It also includes 4 of the best analog-modeled mastering effects from IK’s acclaimed T-RackS mixing and mastering suite for complete, in-the-box mixing.
Beyond these effects, Miroslav Philharmonik 2 also comes with an updated ConvoRoom convolution reverb unit that now sports a new virtual room that displays the physical space acoustically represented.
With such a collection of effects, musicians can create professional, broadcast-quality productions straight inside Miroslav Philharmonik 2 itself with no additional processing required!
Play. Mix. Edit: Advanced control
Miroslav Philharmonik 2 uses the same Play, Mix and Edit pages as SampleTank 3. These pages give musicians an extreme amount of intuitive creative control over Miroslav Philharmonik 2’s orchestral sounds. It comes with an easy-to-use instrument browser, a 16-part DAW-style mixer with per-channel effect slots and global send/return and a powerful synthesizer section with 3 sample playback engines and 10 high-quality filters. With the synthesizer, musicians can quickly and easily transform a simple trumpet into a massive synth lead or a mighty brass ensemble into a dreamy pad – Miroslav Philharmonik 2 literally lets composers explore the furthest reaches of their creative minds.
Mobile composition
Miroslav Philharmonik 2 has been designed to be experienced with IK’s growing range of companion hardware controllers. Keyboard players will love the effortlessness with which its instruments pair with IK’s iRig Keys, iRig Keys PRO, iRig Keys 25, iRig Keys 37 and iRig Keys 37 PRO keyboard controllers. Now musicians can have a responsive and thoroughly tactile piano experience – complete with world-class grand piano sound – anytime and everywhere.
Seamless integration
Miroslav Philharmonik 2 is based on SampleTank 3 technology. This means that it can be used on its own as a standalone instrument or as an additional library inside of the SampleTank 3 sound and groove workstation.
Pricing and availability
Miroslav Philharmonik 2 will be available in December. It is currently available for pre-order at special, limited-time introductory pricing via the IK online store and from select music retailers in a number of different options:
Current owners of Miroslav Philharmonik can upgrade for as low as $/€199.99* for direct download or $/€229.99 for a boxed copy. Furthermore, early adopters who purchased and registered Miroslav Philharmonik before 2011 will automatically receive 50 JamPoints in their user account for use against the price of the upgrade.
Users with qualifying IK software can crossgrade for as low as $/€299.99 for a direct download or $/€329.99 for a boxed copy.
New users can get Miroslav Philharmonik 2 for as low as $/€399.99 for a direct download or $/€429.99 for a boxed copy.
*all prices excluding taxes

For more information, please visit:
To hear Miroslav Philharmonik 2, please visit:
To watch Miroslav Philharmonik 2 in action, please visit:

Emotional Cello–Recensione

Distribuito da Best Service creato da Harmonic Subtones

Clicca per ulteriori samples


“Il miglior vst in circolazione dedicato al violoncello solista!”

Emotional Cello header

Harmonic Subtones logoEmotional Cello – never before, a virtual instrument could be played with this level of expression.

Emotional Cello is a new kind of virtual instrument, created by Harmonic Subtones, a Munich based developer team, to be used with Native Instrument’s Kontakt 5 Player. Because of its powerful and simultaneously exceptional emotional sound, it opens up previously unknown verbal dimensions for the work with samples.

Emotional Cello is the perfect instrument for film-scoring, pop-production, song-writing, classic and modern avant-garde cello compositions. This unique virtual instrument shines by its impressive number of articulations, its direct uncolored sound quality, unusual play techniques and innovative rebowing.

cello bridge banner

Emotional Cello has been continuously recorded in a musical context to capture the natural bowing and the individual expressions of real instrumentalists. Thanks to intelligent scripting, 16 play-styles and true legato, this library offers immense versatile possible applications. Emotional Cello offers all typical play-styles and articulations as well as unusual techniques such as

  • sul ponticello legato and
  • flageolet legato,
  • morbid sustain,
  • ricochet and even
  • renaissance sounds.


Cello & Mic

Harmonic Subtones calls the underlying philosophy of the Emotional Cello project „Contextual Sampling“. In search for perfect tone and highest inspiration, various string instruments have been recorded over a period of no less than four years. Conclusion was that nothing can match the natural vibrato with its artistic facets performed by skilled musicians. Although, any sample with an included recorded vibrato has obvious conceptual drawbacks, the sound of the performance itself will be a lot more inspirational than adding artificial vibrato. Based upon this insight, Harmonic Subtones went to extract the recordings with topmost musicality to forge a brilliant sounding instrument.
The result is a library of unmatched authenticity.

To achieve conclusive arrangements. Emotional Cello offers a multitude of articulations. This way, the several phrases, turns, variations, pickups and endings can be used as real autonomous phrasings without the need of ever being repeated. To be able to correctly use the various tones and articulations in a musical context, the corresponding key switches have been appropriately titled with names such as Delicate fast, Vivid or Moderate.

In addition, Emotional Cello also offers unusual and unconventional articulations, almost never to be found in competitive products. For example, the library offers

  • the so called Spilegno, a harder edged Spiccato with bow-noise,
  • Power 5th Spiccato,
  • Plectrum Pizz,
  • Rota Spiccato
  • and a lot more.

Added are technical refinements, such as the rebowing-function which allows controlled directional change of the bow within a note using a key switch – uttermost useful with long sustains. Likewise, the vibrato-crossfade allows creating rhythmically perfect transitions from non-vibrato to vibrato-patches.

Emotional Cello Screen 1


Emotional Cello has been recorded in the Mastermix Studio, Unterföhring/Germany. The instrument has been carefully mic’ed in a wood-paneled room with high ceilings and highest possible wall distance. Microphone recordings were performed intentionally close using two Neumann models KM184 and U47, preserving a discreet portion of the room’s excellent acoustics. At the same time, the close mic’ing technique easily allows external processing, e.g. to accomplish an overall ambience for the mix. Just as needed, the integrated convolution reverb of the Kontakt 5 Player or the pure unprocessed original sounds can be used.

Emotional Cello Screen 4


Emotional offers three true legato master-patches: Normal, Sulponticello and Harmonics. These contain about 80% of all recorded articulations, which are logically interconnected using advanced scripting. For example: A note being played in the beginning will sound perfectly natural because the chosen sample will also be a first note of the source recordings. The same goes for legato- and sustained notes: All samples originate from a corresponding context of the original recordings.
Approximately 50 additional single-patches contain a selected articulation each. Choices range from simple sustain-patches to dynamic crossfades between four layers. These patches are useful for producers preferring to arrange different articulations on different MIDI tracks instead of switching these by key switches. To achieve highest authenticity and liveliness, the patches offer four round-robin-samples for long notes and up to eight for short notes.

Emotional Cello bow

Native Instruments Kontakt Player 5.5.0 required.

Intervista al compositore Kristian Sensini

Intervista di fine anno su 


Chi è Kristian Sensini? Potresti presentarti ai nostri lettori?
Un musicista, un sognatore, una persona che ama ascoltare e raccontare storie, attraverso la musica.

Come inizia il tuo percorso musicale? Quando e come è nata in te la necessità di comporre?
Ho iniziato come tanti suonando il pianoforte, ho una formazione sostanzialmente da autodidatta sullo strumento. Dopo aver suonato in tante formazioni rock mi sono dedicato al Jazz e ho iniziato a studiare flauto traverso (mi sono diplomato in Flauto Jazz al Conservatorio Rossini di Pesaro). Ho sempre scritto musica, è per me un modo di andare oltre la partitura scritta da altri musicisti, ho sempre trovato intellettualmente noioso fermarsi a suonare solo musica di altri. Nel mio piccolo è un modo di fermare la musica, lasciando minuscole tracce, ho sempre il timore che la musica sia inafferrabile e trasparente. Scrivere è l’unica maniera che abbiamo per rendere la musica più concreta. Trovo inoltre più semplice esprimermi tramite il suono che con le parole, è un linguaggio molto più ricco e complesso e forse per questo si lascia esplorare meglio.

Sei un compositore per musiche da film. IMDB presenta una lunga lista di tue partecipazioni cinematografiche. Quale film ti ha dato maggiori soddisfazioni dal punto di vista compositivo? Quale più difficoltà? Perché?
Senza dubbio “Rocks in my Pockets”: è un film drammatico che però sfrutta il medium del disegno e dell’animazione. Questo mi ha consentito di scrivere una partitura molto varia con momenti molto poetici, alcuni drammatici e alcuni che strizzano l’occhio alla commedia ed al cinema di animazione classico. La difficoltà è invece dovuta al fatto che nel film è onnipresente una voce narrante che racconta la storia. Quando un compositore si trova a scrivere musica in un contesto del genere deve far attenzione a non sopraffare il suono della voce e la sua intellegibilità, cercando di accompagnarla nel modo migliore possibile. E’ stata un’ottima palestra per la composizione e per l’ego. I compositori spesso hanno il timore che il proprio lavoro rimanga in sottofondo e non venga notato, e lavorare ad un progetto del genere ti insegna a scrivere in economia di mezzi, valutando con molta attenzione gli equilibri e gli spazi dove la musica può emergere e quelli nei quali è meglio lavori in maniera più subliminale.


Dal tuo Home Studio fino a Los Angeles. Attualmente sei in corsa per gli oscar 2015 per la colonna sonora di Rocks in my Pockets. Come nasce questo sogno? Te lo saresti mai aspettato?
Ancora adesso fatico a leggere il mio nome a fianco a quello degli altri compositori in gara, Michael Giacchino, Howard Shore, Alexandre Desplat, Danny Elfman, Hans Zimmer, Marco Beltrami, Alberto Iglesias , Johnny Greenwood, Thomas Newman, James Newton Howard, Bruno Coulais, Philip Glass, Gustavo Santaolalla e Dario Marianelli (l’unico altro italiano in gara). Prima di essere “musicista per lo schermo” sono un vero cinefilo e ho sempre seguito con passione gli Academy Awards, per cui farne parte (anche se solo nella pre-selezione) è un onore immenso. Il sogno nasce in maniera molto semplice, ho semplicemente deciso, dopo tanti anni di gavetta, di concentrarmi su progetti più raffinati e di lavorare con registi che avessero storie interessanti da raccontare. Signe Baumane, la regista di “Rocks in My Pockets” è una di loro: Bill Plympton (regista di animazione premio Oscar) ci ha presentati, sapendo che io stavo cercando un nuovo progetto al quale lavorare e Signe un compositore per il suo lungometraggio. Da li è nata una bellissima collaborazione, molto stimolante dal punto di vista creativo, e ci ha portato agli Academy Awards. Il film è uno dei 20 progetti che sono in gara nella categoria miglior Film di Animazione, e la colonna sonora è una delle 114 in gara come miglior Musica Originale.

Nella tua carriera hai musicato opere cinematografiche di vario genere. Spazi dall’horror al thriller e fino all’animazione. Quale genere rispecchia maggiormente la tua personalità? Quale tra questi è quello che trovi più stimolante musicare?
Non ho limiti, se il progetto è interessante, la storia stimolante e il regista rifugge dagli stereotipi (e non mi chiede di imitare per l’ennesima volta Hans Zimmer…) allora vale la pena valutare una collaborazione.
La cosa interessante è riuscire a far percepire la propria personalità musicale nei generi più vari: horror o film di animazione che sia, se trattiamo con rispetto la pellicola, e abbiamo la fiducia incondizionata del regista, si ottengono risultati eccellenti e sia la musica che il film ne guadagnano.

Come nasce una tua opera musicale per il cinema?
Cerco di procedere cronologicamente quando compongo, mi metto nei panni dello spettatore innanzitutto e cerco di memorizzare alla prima visione quali emozioni la pellicola trasmette. In un secondo momento lascio da parte le emozioni, che possono distrarci e portarci anche fuori strada, e affronto la pellicola in maniera più analitica. Parlo molto con i registi, cercando di entrare nel loro mondo di capire scena per scena cosa vogliono trasmettere, quali concetti vogliono far arrivare allo spettatore e propongo loro ulteriori chiavi di lettura che la musica può offrire. E’ questo il punto fondamentale, ci sono centinaia di compositori bravissimi al giorno d’oggi, musicisti che scrivono benissimo e che hanno anni di esperienza alle spalle. Quello che voglio offrire al regista è il mio punto di vista musicale, la mia interpretazione del mondo.

La tecnologia aiuta in particolar modo i compositori per il cinema. Puoi dirci quanto è importante per te l’uso del computer in una tua colonna sonora?
E’ fondamentale oggigiorno. Mi piacerebbe moltissimo poter scrivere utilizzando solo matita e pentagramma, come fanno Williams o Morricone, ma semplicemente non è possibile. I budget per la musica sono sempre bassissimi, in particolar modo in Italia che sono quasi zero, e utilizzare strumenti virtuali e campionati è in molti casi l’unica maniera per poter registrare una colonna sonora.
Anche laddove c’è un piccolo budget per la registrazione di musicisti veri la tecnologia è importante, i registi (e i produttori che investono il proprio denaro) vogliono ascoltare la colonna sonora completa registrata con gli strumenti virtuali prima di dare il via alle registrazioni dell’orchestra. Da un certo punto di vista questo consente ai compositori di avere un po’ meno di responsabilità, una volta il rapporto era molto basato sulla fiducia e i registi potevano giudicare il lavoro svolto solo una volta che la partitura era stata già registrata dall’orchestra (ed il budget era stato già speso). Ora è possibile effettuare ogni tipo di modifica sulle orchestrazioni MIDI, il compositore si deresponsabilizza ma d’altra parte chiunque può permettersi di intervenire chiedendo di modificare questo o quello strumento. Diventa un progetto quasi collaborativo e penso che questo sia dannoso per la creatività del compositore che spesso vede la propria “voce” sommersa e non ha realmente modo di esprimersi.
Sarà per questo motivo che molte colonne sonore moderne si assomigliano e non portano realmente elementi innovativi né musicalmente né a livello di narrazione.
Detto questo… non potrei comunque fare a meno del computer per lavorare, è grazie alle nuove tecnologie se dal mio studio di registrazione in provincia posso lavorare a progetti con registi in ogni parte del mondo.


Quali sono i plugin che apprezzi maggiormente e di cui non potresti mai fare a meno? Potresti brevemente illustrarci come è composto il tuo Home Studio?
Il mio homestudio è molto standard, utilizzo una workstation della Hp con doppio monitor, una “vecchia” scheda audio della MOTU con dei buoni pre e utilizzo una Nord Stage 2 come Master Keyboard. La mia DAW di riferimento è Cubase (aggiornato di recente alla versione 8), sono un endorser della Steinberg, ed utilizzo i loro prodotti da sempre. In particolare “Rocks in My Pockets” è stato realizzato utilizzando esclusivamente Cubase, dalla fase compositiva alla realizzazione degli spartiti, fino alla registrazione degli strumenti, al mixaggio ed al mastering. E’ uno strumento potentissimo e davvero completo.
Come plugin utilizzo soprattutto libraries che girano su Kontakt, in particolare tutti i prodotti della Native Instruments, per i bassi Trillian e per i suoni synth Omnisphere. Adoro i suoni orchestrali della Vienna Library che utilizzo soprattutto per gli archi.
Non mi sono però ancora “fermato” ad un setup unico, amo mescolare le sonorità di vari VST per ottenere dei mockups midi i più realistici possibili.
In passato utilizzavo molto di più strumenti come Symphobia (che uso ancora come rinforzo di alcune sezioni), trovo però che siano poco naturali perché “suonano” fin troppo bene e non aiutano il compositore, soprattutto il neofita, ad avere una cognizione precisa delle dinamiche dell’orchestra. Se utilizziamo una sezione di strings su un canale MIDI e suoniamo due melodie contemporaneamente, quanti primi violini abbiamo che suonano ogni singola linea melodica? Sono tutti fattori che si tengono poco in considerazione e che stanno modificando (in negativo) il modo nel quale si scrive per orchestra. La maggior parte dei giovani compositori hanno una conoscenza del suono orchestrale che deriva esclusivamente dall’uso dei VST, è come dire che un artista conosce le tecniche di pittura utilizzando solo Microsoft Paint… è ridicolo.
Oltre a tutto l’arsenale digitale presente nel PC ho ovviamente in studio moltissimi strumenti acustici che amo suonare io stesso, molto male per lo più.

Chi si occupa del mixaggio e del mastering del tuoi brani?
Per il film io, è una cosa che odio fare, sono molto poco obiettivo quando mixo i miei lavori, ma allo stesso tempo molto geloso del materiale di base. Quando compongo e registro ho un particolare suono in mente, suono che a mio parere contribuisce molto alla narrazione cinematografica, e non posso permettere che questo suono venga snaturato dalle idee di altri musicisti o tecnici (anche se magari sono migliori delle mie). E’ una questione di personalità. Probabilmente sono un po’ maniaco del controllo… anzi sicuramente lo sono. Per il mastering dei cd delle colonne sonore che escono su cd o in digitale lascio che se ne occupino i diretti responsabili, sicuramente conoscono meglio di me le dinamiche necessarie per una pubblicazione editoriale.

Domanda fatidica: studi, esperienza o genio? Cosa è più importante oggi per emergere dall’infinita schiera di musicisti per il cinema?
Bella domanda, nessuna delle tre! La cosa fondamentale è riuscire ad intessere una fitta rete di public relations con registi, produttori, montatori, giornalisti e critici. Per emergere è la cosa più importante. Alla base dovrebbero esserci gli studi giusti, una buona dose di gavetta e ovviamente il talento. Ma non sono importanti purtroppo. Se invece mi chiedi cosa è importante per scrivere della bella musica, beh questo è un altro discorso, ci vuole studio e talento, la capacità di non desistere, di essere costanti nello scrivere ogni giorno e di affrontare nel migliore dei modi ogni opportunità che ti si presenta davanti.

Hai vinto svariati riconoscimenti internazionali. Ti va di parlarcene?
Ad essere sincero i premi e le gare mi lasciano un po’ indifferente, spesso sono più utili per le pubbliche relazioni che per altro. Confrontare due compositori è come chiedere se sono più buone le arance o il formaggio svizzero, è praticamente impossibile al di fuori del contesto specifico. Sono anche poco utili alla musica e all’arte, essendo l’espressione della volontà di standardizzare la creatività. Se davvero i premi fossero meritocratici Williams avrebbe vinto molti più premi Oscar, al contrario alcuni vincitori sarebbero giustamente degli emeriti sconosciuti.
Se qualcuno dei lettori però fosse particolarmente curioso al riguardo può consultare il mio sito…

Progetti per il futuro in ambito musicale?
Moltissimi ma nessuno dei quali posso parlare al momento per ragioni di riservatezza contrattuale. Al di fuori dei progetti cinematografici ho nel cassetto da anni ormai un progetto di musiche per quartetto d’archi che spero di poter registrare durante il 2015, i brani sono già tutti pronti, manca il tempo materiale per rifinire arrangiamenti e trascrizioni e per entrare in studio. Si tratta di un progetto di musica assoluta, ma che ha una forte ispirazione derivante da storie lette o ascoltate, immagini e in alcuni casi anche sogni.